Arte: O Realismo

Arte: O Realismo

Movimento artístico que se manifesta na segunda metade do século XIX. Caracteriza-se pela intenção de uma abordagem objetiva da realidade e pelo interesse por temas sociais. O engajamento ideológico faz com que muitas vezes a forma e as situações descritas sejam exageradas para reforçar a denúncia social. O realismo representa uma reação ao subjetivismo do romantismo. Sua radicalização rumo à objetividade sem conteúdo ideológico leva ao naturalismo. Muitas vezes realismo e naturalismo se confundem.

Artes Plásticas: A tendência expressa-se sobretudo na pintura. As obras privilegiam cenas cotidianas de grupos sociais menos favorecidos. O tipo de composição e o uso das cores criam telas pesadas e tristes. O grande expoente é o francês Gustave Courbet (1819-1877). Para ele, a beleza está na verdade. Suas pinturas chocam o público e a crítica, habituados à fantasia romântica. São marcantes suas telas Os Quebradores de Pedra, que mostra operários, e Enterro em Ornans, que retrata o enterro de uma pessoa do povo. Outros dois nomes importantes que seguem a mesma linha são Honoré Daumier (1808-1879) e Jean-François Millet (1814-1875). Também destaca-se Édouard Manet, ligado ao naturalismo e, mais tarde, ao impressionismo. Sua tela Olympia exibe uma mulher nua que “encara” o espectador.

Literatura: O realismo manifesta-se na prosa. A poesia da época vive o parnasianismo e o simbolismo. O romance – social, psicológico e de tese – é a principal forma de expressão. Deixa de ser apenas distração e se torna veículo de crítica a instituições, como a Igreja Católica, e à hipocrisia burguesa. A escravidão, os preconceitos raciais e a sexu*alidade são os principais temas, tratados com linguagem clara e direta.

Na passagem do romantismo para o realismo, misturam-se aspectos das duas tendências. Um dos representantes dessa transição é o escritor e dramaturgo francês Honoré de Balzac, autor do conjunto de romances Comédia Humana. Outros autores importantes são os franceses Stendhal, que escreve O Vermelho e o Negro, e Prosper Merimée (1803-1870), autor de Carmen, além do russo Nicolai Gogol (1809-1852), autor de Almas Mortas.

O marco inicial do realismo na literatura é o romance Madame Bovary, do francês Gustave Flaubert (1821-1880). Outros autores importantes são o russo Fiódor Dostoiévski, cuja obra-prima é Os Irmãos Karamazov; o português Eça de Queiróz, que escreve Os Maias; o russo Leon Tolstói (1828-1910), criador de Anna Karenina e Guerra e Paz; e os ingleses Charles Dickens, autor de Oliver Twist, e Thomas Hardy (1840-1928), de Judas, o Obscuro.

A tendência desenvolve-se também no conto. Entre os mais importantes autores destacam-se o russo Tchekhov e o francês Guy de Maupassant.

Teatro: Com o realismo, problemas do cotidiano ocupam os palcos. O herói romântico é substituído por personagens do dia-a-dia e a linguagem torna-se coloquial. O primeiro grande dramaturgo realista é o francês Alexandre Dumas Filho (1824-1895), autor da primeira peça realista, A Dama das Camélias (1852), que trata da pros*tituição.

Fora da França, um dos expoentes é o norueguês Henrik Ibsen. Em Casa de Bonecas, por exemplo, trata da situação social da mulher. São importantes também o dramaturgo e escritor russo Gorki (1868-1936), autor de Ralé e Os Pequenos Burgueses, e o alemão Gerhart Hauptmann, autor de Os Tecelões.

O Realismo no Brasil

No Brasil, o realismo marca mais intensamente a literatura e o teatro.

Artes plásticas: Entre os artistas brasileiros, tem maior expressão o realismo burguês, nascido na França. Em vez de trabalhadores, o que se vê nas telas é o cotidiano da burguesia. Dos seguidores dessa linha se destacam Belmiro de Almeida (1858-1935), autor de Arrufos, que retrata a discussão de um casal, e Almeida Júnior , autor de O Descanso do Modelo. Mais tarde, Almeida Júnior aproxima-se de um realismo mais comprometido com as classes populares, como em Caipira Picando Fumo.

Literatura brasileira: O realismo teve seu início, oficialmente, com a publicação do livro Memórias Póstumas de Brás Cubas, de Machado de Assis, que faz uma análise crítica da sociedade da época. O realismo manifesta-se na prosa. A poesia da época vive o parnasianismo e o simbolismo. O romance é a principal forma de expressão, tornando-se veículo de crítica a instituições e à hipocrisia burguesa.

Ligados ao regionalismo destacam-se Manoel de Oliveira Paiva (1861-1892), autor de Dona Guidinha do Poço, e Domingos Olímpio (1860-1906), de Luzia-Homem.

O Realismo no Brasil só entrou em declínio com o surgimento do Parnasianismo, por volta do ano de 1890.

Teatro: Os problemas do cotidiano ocupam os palcos. O herói romântico é substituído por personagens do dia-a-dia e a linguagem passa a ser coloquial. Entre os principais autores estão romancistas realistas, como Machado de Assis, que escreve Quase Ministro, e alguns românticos, como José de Alencar, com O Demônio Familiar, e Joaquim Manuel de Macedo, com Luxo e Vaidade. Outros nomes de peso são Artur de Azevedo, criador de comédias e operetas como A Capital Federal e O Dote, Quintino Bocaiúva e França Júnior (1838-1890).

Fonte: Abril

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A Cidade e as Serras | Eça de Queirós

A Rosa do Povo | Carlos Drummond de Andrade

Auto da Barca do Inferno | Gil Vicente

Dom Casmurro | Machado de Assis

Iracema | José de Alencar

Memórias de um Sargento de Milícias | Manuel Antônio de Almeida

Poemas Completos de Alberto Caeiro | (heterônimo de Fernando Pessoa)

Sagarana | João Guimarães Rosa

Vidas Secas | Graciliano Ramos

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Literatura Brasileira: Parnasianismo

Literatura Brasileira: Parnasianismo

Na década de 1870, quando o Parnasianismo começou a ser difundido como nova estética literária no Brasil, o país atravessava uma série de crises políticas e sociais que assinalariam o colapso do governo imperial e do regime escravocrata, culminando na abolição da escravatura, em 1888, e na proclamação da República, em 1889. O desenvolvimento econômico, que até meados do século XIX se concentrara no Nordeste, a partir dos anos de 1870 passou a deslocar-se para o Centro-Sul, onde a cultura do café começava a expandir-se. O único grande centro urbano do Brasil, ainda essencialmente agrícola, era o Rio de Janeiro, onde se concentrava a vida política e cultural do país. Mas foram intelectuais de Recife ligados à Faculdade de Direito, entre eles Silvio Romero e Tobias Barreto, os primeiros a divulgar as novas idéias literárias, filosóficas e políticas que passariam a influenciar o pensamento dos escritores nacionais.

A elite brasileira recebia, principalmente através da França, as idéias republicanas, positivistas e evolucionistas que agitavam os meios intelectuais europeus, além das descobertas de novas ciências como a física, a lingüística e a biologia. O grande veículo de difusão das novas teorias, inclusive literárias, eram os inúmeros periódicos surgidos com o desenvolvimento da imprensa nacional. Foi nas páginas do jornal Diário do Rio de Janeiro que, no final da década de 1870, travou-se a Batalha do Parnaso, polêmica entre os adeptos do Romantismo, de um lado, e os seguidores do Realismo e do Parnasianismo, de outro, que serviu para tornar mais conhecidas as novas tendências literárias.

Os jornais e revistas eram importantes veículos para a divulgação de obras e movimentos literários e consolidação de autores. Muitos escritores da época, além de publicarem poemas e folhetins, atuaram como cronistas em periódicos, contribuindo inclusive para a profissionalização do escritor brasileiro. Entre eles destaca-se Machado de Assis, um dos principais autores brasileiros do Realismo e poeta parnasiano que, como cronista da Gazeta de Notícias (RJ), exerceu forte influência crítica.

O sucessor de Machado na Gazeta de Notícias, Olavo Bilac, como bom parnasiano, permaneceu distante, no âmbito da poesia, dos acontecimentos sociais e políticos de seu tempo – ainda que tenha escrito eventuais poemas satíricos, alguns deles dedicados a Floriano Peixoto; produziu também poemas infantis e é o autor do Hino à Bandeira. Como cronista, desceu da “torre de marfim” e abordou alguns dos grandes temas de seu tempo, como a libertação dos escravos, em A Escravidão, e a reurbanização da capital nacional, em O Rio Convalesce.

Assim, os escritores brasileiros, que nesse período já constituíam um grupo numeroso, produtor de obras inseridas em uma tradição nacional, tinham garantida a circulação de seus textos por meio de periódicos ou de algumas editoras, como a francesa Garnier, instalada no Rio de Janeiro. No entanto, o público leitor era bastante restrito, já que a maioria da população brasileira – 80%, segundo o censo de 1872 – era analfabeta. Os poetas parnasianos dirigiam suas obras, portanto, a uma reduzida e letrada camada da população, que prestigiava seus poemas repletos de preciosismos lingüísticos e de referências à Antigüidade Clássica.

Nas últimas décadas do século XIX, várias correntes literárias inovadoras, entre elas o Parnasianismo, apresentaram parâmetros de criação artística que se contrapunham aos então já desgastados valores românticos. Enquanto na prosa o Realismo e o Naturalismo apresentavam novas maneiras de produzir ficção, calcadas na análise objetiva da realidade social e humana, no âmbito da poesia o movimento parnasiano voltava-se principalmente para o culto da forma, afastando-se dos problemas sociais do período.

O termo parnasianismo surgiu na França, para nomear os poetas reunidos nas antologias de poesia intituladas Le Parnasse Contemporain, publicadas a partir de 1866. Entre os poetas mais importantes do movimento francês estava Théophile Gautier, principal divulgador do princípio da “arte pela arte” – a arte voltada para si mesma, sem intenções políticas, morais, didáticas ou de qualquer outro tipo, princípio que sintetizava os objetivos do movimento. A nova escola rapidamente penetrou no Brasil e, nos decênios de 1880 e 1890, conquistou número progressivo de adeptos. Poetas parnasianos portugueses, como Gongalves Crespo (brasileiro de nascimento), Antero de Quental e Teófilo Braga também exerceram influência, ainda que em menor escala, sobre os autores brasileiros.

A obra Fanfarras (1882), de Teófilo Dias, costuma ser identificada como o marco inicial do Parnasianismo no Brasil, onde o movimento perdurou até os primeiros decênios do século XX, coexistindo com o Simbolismo e mesmo com o início do Modernismo. O prolongamento da estética, por poetas conhecidos como Neoparnasianos, “é fenômeno particular da literatura brasileira”, segundo Otto Maria Carpeaux. Para o crítico, “aqui e só aqui fracassou o Simbolismo; e, por isso, o movimento poético precedente sobreviveu, quando já estava extinto em toda parte no mundo”. Já para Alfredo Bosi, “o Parnasianismo é o estilo das camadas dirigentes, da burocracia culta e semiculta, das profissões liberais habituadas a conceber a poesia como “linguagem ornada”, segundo padrões já consagrados que garantam o bom gosto da imitação”. O fato de a Academia Brasileira de Letras (1897) apresentar adeptos do Parnasianismo entre a maioria de seus fundadores pode também ter colaborado, segundo vários críticos, para a “oficialização” e para a extensão cronológica da escola, cujo prestígio enfraqueceu apenas depois dos duros ataques desferidos pelos poetas modernistas. Hoje, porém, as críticas de autores e pensadores ligados ao Modernismo estão sendo revistas, e o maior distanciamento permite avaliar, talvez com mais imparcialidade, as qualidades e os problemas do Parnasianismo.

Parnaso é um monte localizado na Grécia central, onde, segundo a mitologia, residiam o deus Apolo e as Musas, divindades inspiradoras das artes. Já no nome da escola se revela, por conseguinte, seu tributo à Antigüidade Clássica, que influenciou os temas e a concepção de arte dos adeptos do Parnasianismo. Incidentes da história ou da mitologia greco-latina foram grande fonte de termas para os parnasianos, como se pode observar no poema “Afrodite”, de Alberto de Oliveira. Formas poéticas antigas ou em desuso, como o soneto, principalmente, voltaram a ser cultivadas. Aliás o soneto, que havia quase desaparecido com os românticos, tornou-se marca distintiva dos parnasianos, assim como a famosa “chave de ouro” – o acabamento feliz, de belo efeito, de um poema.

A busca da objetividade temática e o culto da forma são as mais importantes características do Parnasianismo. Os poetas parnasianos opunham-se ao individualismo, ao sentimentalismo e ao subjetivismo românticos, e procuraram voltar sua poesia para temas que consideravam mais universais, como a natureza, a história, o amor, os objetos inanimados, além da própria poesia. Essa poética da impessoalidade era reforçada pelo gosto da descrição e do rigor formal. O ideal da “arte pela arte” resultou em acentuada preocupação com a versificação e a metrificação, pois acreditava-se que a Beleza residia também na forma. O trabalho do poeta foi, inclusive, comparado ao do escultor, do ourives, do artesão, já que seu esforço concentrava-se em dar forma perfeita a um objeto artístico. O poema de Raimundo Correia A um Artista, dedicado a Olavo Bilac, é modelar nesse sentido. Essa comparação levou à criação de poemas que tematizam esculturas, pinturas, jóias, objetos artísticos – como em Vaso Grego, de Alberto de Oliveira – transformando muitas vezes o princípio da “arte pela arte” em “arte sobre a arte”.

Os versos brancos do Romantismo foram abandonados e retomou-se o uso dos versos de 10 sílabas e das rimas ricas e raras, num movimento de aproximação da tradição clássica. A procura da expressão perfeita e original de determinada idéia ou sentimento levou à valorização do conhecimento da língua, necessário para fugir das imagens gastas e vulgarizadas da estética romântica. A utilização de vocabulário culto, como tentativa de renovação da linguagem poética, é, desse modo, outro traço característico do Parnasianismo. Olavo Bilac, em Língua Portuguesa, expressa o amor parnasiano ao idioma nacional. O apego dos parnasianos ao rigor gramatical e ao rebuscamento da linguagem teria contribuído, segundo Antonio Candido, “para lhes dar voga e credibilidade, pois facilitava o entrosamento com as aspirações dominantes da cultura oficial”.

Já a impassibilidade pretendida pela escola, necessária para o registro objetivo da realidade, se foi tematizada em poemas como Musa Impassível, de Francisca Júlia, não chegou a ser plenamente alcançada, e nem poderia ser. Afinal, como afirma Benjamin Abdala Junior, “o poeta só pode construir o poema selecionando situações, palavras, imagens, a partir de sua própria perspectiva”, o que torna a objetividade de certa forma um mito. Além disso, a impassibilidade e outros princípios do Parnasianismo foram muitas vezes alterados pelos autores nacionais, pois no Brasil os fundamentos da nova estética repousaram “na tradição literária interna, suficiente para assimilar e reformular as sugestões externas”, como observou José Aderaldo Castello.

A tradição brasileira permitiu, assim, que o mesmo Olavo Bilac que professa os ideiais parnasianos em Profissão de Fé e A um Poeta – em cujos versos o culto à forma, o tributo à Antiguidade Clássica, o amor à língua e a fidelidade ao princípio da “arte pela arte” são enfaticamente expostos – expressasse um lirismo apaixonado em tantos sonetos, como no antológico Ora (Direis) Ouvir Estrelas. É preciso lembrar ainda que o sistema literário brasileiro, se no período já estava consolidado por uma tradição local, englobava várias correntes literárias de origem estrangeira que aqui se misturavam e se recriavam, como o Romantismo e o Simbolismo, movimentos que influenciaram em menor ou maior grau a obra dos poetas parnasianos.

Os autores mais significativos do Parnasianismo foram Alberto de Oliveira, Olavo Bilac e Raimundo Correia, considerados a “tríade oficial” do movimento, além de Vicente de Carvalho e Francisca Júlia. A poesia de Alberto de Oliveira é considerada a mais fiel aos valores do Parnasianismo; nela, a impessoalidade, o descritivismo, a tematização de objetos são elementos bastante presentes – ainda que em poemas como Alma em Flor revele sentimentalidade que desmente sua fama de impassível. Olavo Bilac, um dos mais populares poetas brasileiros, buscou e alcançou o rigor da forma, mas o lirismo e o sensualismo de seus versos muitas vezes o afastaram dos princípios mais rígidos do Parnasianismo. Raimundo Correia estreou como romântico, mas tornou-se parnasiano, intensamente influenciado por autores franceses e criador de uma poesia filosófica, reflexiva, distinta pelo pessimismo. Vicente de Carvalho, poeta também bastante popular, de obra impregnada de matizes românticas, foi o parnasiano que melhor tematizou a natureza, principalmente o mar de sua terra natal, Santos SP. Finalmente, Francisca Júlia é autora de sonetos que figuram entre os mais bem realizados do Parnasianismo e, ainda que alguns de seus últimos poemas apresentem traços simbolistas, segue sendo considerada poeta das mais leais aos fundamentos parnasianos.

Fonte: Itaú

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Vestibular da USP terá avaliação seriada a partir de 2009

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A Universidade de São Paulo anunciou a implantação do PAS (Programa de Avaliação Seriada), sistema para processo seletivo de graduação já adotado por instituições brasileiras, como UnB (Universidade de Brasília) e UFU (Universidade Federal de Uberlândia).

A modalidade, que começa a valer no processo seletivo de 2009 em parceria com a Secretaria de Educação do Estado de São Paulo, é voltada às escolas da rede estadual de ensino médio regular de São Paulo e aos estudantes que estão cursando o último ano.

A proposta foi feita pelo Inclusp – um programa de inclusão social lançado em 2006 pela instituição – e pretende incentivar alunos da rede pública a ingressar na faculdade.

Neste primeiro ano, a prova será aplicada aos estudantes do 3º ano do ensino médio regular e implementada progressivamente para as demais séries em 2010 e 2011.

O desempenho do estudante no Enem poderá ser revertido em bônus adicional de até 6%, proporcional ao resultado da prova. A aplicação do bônus universal de 3%, que a USP já oferece aos alunos de rede pública, e do bônus qualificado pelo desempenho do estudante no PAS e no Enem poderá chegar a 9%.

PAS
No sistema de avaliação seriada, o estudante faz as provas no final de cada ano durante as três séries do ensino médio. As provas não têm conteúdo acumulativo: as questões da primeira etapa são de aulas da primeira série, as do segundo exame exigem conhecimentos da segunda série e a terceira e última etapa abrange o programa da terceira série mais a prova de redação.

Com as notas das três provas, obtém-se a média final que classifica o candidato. “Será formado um grupo de trabalho para definir de qual forma os resultados da avaliação serão utilizados no vestibular”, explica a pró-reitora de graduação, Selma Garrido Pimenta.

Ação social
O Inclusp é composto de uma série de medidas para a ampliar o acesso e a permanência na universidade de alunos vindos de escolas públicas. Entre as mudanças está o acréscimo de 3% na pontuação obtida no vestibular da Fuvest para alunos do ensino público, já implantada no exame de 2007.

Segundo a pró-reitora, isso garante que o aluno entre na USP por mérito e não por condição socioeconômica, como ocorre no sistema de cotas. Com a pontuação acrescida, os alunos que cursaram todo o ensino médio em escolas públicas têm um bônus de 3% aplicado às notas das 1° e 2° fases.

Selma explica que 24% dos estudantes da USP atualmente são egressos da rede pública. “A meta a ser alcançada é aumentar esse número para 30% neste ano”, disse.

De acordo com a pró-reitora, o Inclusp oferecerá ainda cursos de formação continuada para professores do ensino público e dará apoio para cursinhos pré-vestibulares comunitários.

Fonte: UOL

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Literatura Brasileira: Barroco

Literatura Brasileira: Barroco

As manifestações artísticas consideradas barrocas foram produzidas principalmente no século XVII. O traço principal do estilo barroco é a tensão entre espírito e matéria, céu e terra, razão e emotividade, contenção e derramamento, cientificismo e religiosidade. Na Europa, essas características refletem o conflito de idéias colocado pelo progresso científico impulsionado no Renascimento e a Reforma Protestante, de um lado, e a reação contra-reformista da Igreja Católica, de outro.

Na literatura, a tensão manifesta-se pela intensificação do uso de recursos estilísticos. Antíteses, inversões, metáforas, preciosismo verbal e obscuridade de sentido foram cultivados por diversos autores do período, entre os quais destaca-se o poeta espanhol Luís de Góngora. No Brasil, os principais autores do Barroco foram Gregório de Matos e Padre Antônio Vieira. O primeiro celebrizou-se pela poesia satírica e pelo retrato impiedoso e lírico de sua Bahia natal. O segundo, pela riqueza literária dos sermões com que defendia o ideário católico.

Profícuo na região de Minas Gerais no século XVIII, o Barroco brasileiro na arquitetura e na escultura não é contemporâneo do Barroco literário. No período em que o movimento artístico atingia seu auge com as esculturas sacras de Aleijadinho, as manifestações literárias produzidas no Brasil já são de caráter neoclássico, árcade ou rococó. Em razão da pluralidade e pouca especificidade da produção literária seiscentista, estudiosos propõem que o termo Barroco seja insuficiente para caracterizar a diversidade das manifestações artísticas do período.

Uma vez que as artes apresentam grande diversidade durante o período de vigência do Barroco, seus traços comuns têm de ser investigados de par com as tendências intelectuais e culturais da época. Entre as que influenciaram as artes de modo especialmente significativo, destacam-se a consolidação das monarquias absolutas na Europa, a ampliação dos horizontes intelectuais decorrente das novas descobertas da ciência e a Contra-Reforma. É impossível, por exemplo, pensar a pujança arquitetônica de palácios como o de Versalhes, na França, dissociada da necessidade do poder real de afirmar e exibir sua monumentalidade. Do mesmo modo, a partir de formulações como a de Copérnico, que tirava a Terra do centro do universo, os pilares da fé religiosa são ameaçados. Em boa medida, deriva daí a tensão entre divino e profano, Deus e homem, terra e céu presente em grande parte das manifestações artísticas consideradas barrocas. Por fim, a Contra-Reforma é um vetor importante para o processo porque fez da arte um meio de propaganda do ideal católico, então ameaçado pela Reforma Protestante. E, para falar diretamente ao observador, para converter o infiel, era preciso apelar aos sentidos e enfatizar os meios expressivos.

O termo barroco provavelmente deriva da palavra italiana barroco, usada por filósofos da Idade Média para descrever um obstáculo ao raciocínio lógico. Em seguida, a palavra passou a designar qualquer tipo de idéia obscura ou processo tortuoso de pensamento. Outra origem possível está na palavra portuguesa barroco, que se refere a um tipo de pérola de formato irregular. Na crítica de arte, barroco começou a ser usado na descrição de qualquer objeto irregular, bizarro, ou que fugisse das normas de proporção estabelecidas. Esse ponto de vista perdurou até o fim do século 19, época em que o termo ainda carregava a conotação de estranheza, grotesco, exagero e excesso de ornamentação. Foi só a partir do estudo pioneiro do historiador de arte Heinrich Wölfflin, Renascimento e Barroco (1888), que o Barroco tornou-se uma designação estilística e teve suas características sistematizadas.

As primeiras manifestações do Barroco, ocorridas na Itália, datam das últimas décadas do século XVI. Em outras regiões, notadamente a Alemanha e o Brasil colonial, o movimento atingiria seu auge no século XVIII. Na história da arte ocidental, no entanto, o Barroco se confunde com o século XVII.

No Brasil, a emergência do Barroco coincide com os ciclos de ocupação e exploração intensa e regular das possibilidades econômicas do Brasil-Colônia, que a partir da segunda metade do século XVI fizeram surgir núcleos urbanos de grande importância econômica e cultural na Bahia e em Pernambuco. Consolidava-se então uma economia baseada na monocultura e na escravidão negra. Começavam a surgir as Academias, associações literárias inspiradas em modelos portugueses que representam o primeiro sinal articulado de preocupação cultural no país. As invasões estrangeiras que ocorreram nos séculos XVI e XVII, com destaque para a holandesa (1624-1654), contribuíram para a aceleração das transformações econômicas no Nordeste e também para a formação de uma espécie de “consciência colonial”, que começava a se manifestar nos escritos seiscentistas.

As obras que distinguem o período são estilisticamente complexas, até mesmo contraditórias. Em geral, é possível dizer que o desejo de evocar estados de espírito exaltados e de apelar dramaticamente aos sentidos do observador é comum à maior parte de suas manifestações. Algumas características associadas ao Barroco são grandeza, sensualidade, dramaticidade, movimento, vitalidade, tensão e exuberância emocional. Todas contrapõem-se ao racionalismo contido e metódico que era próprio ao Classicismo, período anterior que se confunde com o Renascimento e que enfatiza o rigor e a sobriedade por meio da imitação dos autores da antigüidade grega e romana.

Muitos historiadores costumam dividir a literatura do Barroco em duas tendências : o conceptismo e o cultismo. O primeiro, mais freqüente na prosa, corresponde ao jogo de idéias, à organização da frase com uma lógica que visa à persuasão, como pode ser observado nos sermões do Padre Vieira. O segundo, característico da poesia, define-se pelo jogo de palavras com vistas ao preciosismo formal e tem como autor emblemático o espanhol Luis de Góngora, influente sobre os poetas do período a ponto de o Barroco literário também ser conhecido como Gongorismo. Outras designações freqüentes para a época são Seiscentismo, Maneirismo e Marinismo, este último em razão da obra do poeta italiano Gianbattista Marini.

Um exemplo da abrangência da concepção do termo Barroco pode ser obtido a partir da formulação da historiadora e crítica literária Luciana Stegagno Picchio. De acordo com a autora, o período foi especialmente rico no Brasil porque a estética barroca se adapta com facilidade a um país que cria sua própria fisionomia e cultura em termos de oposição e de encontro de contrários, de mestiçagem. Nesse sentido, ela argumenta que também a primeira literatura dos descobrimentos é barroca. Assim como a literatura dos jesuítas, pela concepção trágica da vida, pela temática contra-reformista e pela forma plurilíngüe.

Fora da literatura, o Barroco no Brasil só atingiria seu ponto máximo na segunda metade do século XVIII. Nesse período, durante o ciclo do ouro nas Minas Gerais, a arquitetura, a escultura e a vida musical desenvolveram-se a ponto de constituir um Barroco “mineiro”, cujos exemplos mais significativos estão na obra do escultor Aleijadinho, do pintor Manuel da Costa Athaide e do compositor Lobo de Mesquita. A poesia e a prosa contemporânea desses autores, no entanto, não é mais barroca. Em 1768, quando se publica o livro Obras, de Cláudio Manuel da Costa, o estilo árcade passa a predominar na literatura. Importa ainda lembrar que, nos últimos anos, alguns dos principais estudiosos da produção literária brasileira do século XVII têm se dedicado à hipótese de que o termo Barroco não dá conta das variadas manifestações artísticas do período, que por isso mesmo devem ser entendidas em sua singularidade.

Os autores mais destacados do Barroco literário do Brasil são o Padre Vieira (1608-1697) e Gregório de Matos (1623-1696). Pregador cristão a serviço da Coroa portuguesa, Vieira passou a maior parte da vida no país. Por se apropriar de termos e elementos da cultura brasileira em seus textos, foi de fundamental importância para a constituição de uma linguagem que começava a ganhar autonomia em relação a Portugal. Seus sermões são ricos em antíteses, paradoxos, ironias, jogos de palavras, hipérboles e alegorias. Com gosto pelo tom profético e messiânico, ele levou a arte da retórica e da persuasão ao paroxismo. Deixou uma obra vasta na qual se destacam o Sermão da Sexagésima e o Sermão do Bom-Ladrão. Outros nomes de relevo na prosa do período são Sebastião da Rocha Pita (1660-1738), autor da História da América Portuguesa, Nuno Marques Pereira (1652-1731), cujo Compêndio Narrativo do Peregrino da América é considerado pioneiro na narrativa de cunho literário do país, e o frei Vicente do Salvador (1564-1636/1639), autor do volume História do Brasil (1627).

Sem ter publicado nenhum poema em vida e ainda envolto em incertezas em relação à autoria da obra, Gregório de Matos é a epítome do Barroco na poesia brasileira. Os textos a ele atribuídos foram registrados a partir da tradição oral de seus contemporâneos. Religiosos, líricos e satíricos, os versos que compõem sua obra proferem uma crítica demolidora contra o clero, políticos e outros poderosos da época. Pródigo em metáforas, paradoxos, inversões sintáticas e sentenças que condensam erotismo, misticismo, palavras de baixo calão e busca do sublime, ele praticou um hedonismo lingüístico capaz de condensar a matriz barroca com o estímulo localista, como se pode verificar pela leitura dos poemas Triste Bahia e À Mesma D. Ângela. Não por acaso, o poeta é considerado o primeiro autor a dar estatuto literário à figura do índio.

O poema Prosopopéia, de Bento Teixeira, é tido como marco inicial do movimento no Brasil. Datado de 1601 e escrito com estilo e concepção inspirados em Camões, Prosopopéia é um poema épico de louvor a Jorge Albuquerque Coelho, segundo donatário da Capitania de Pernambuco. No campo da poesia, destaca-se ainda Manuel Botelho de Oliveira, autor de Música do Parnaso, o primeiro livro impresso escrito por autor nascido no país. O livro de Oliveira é uma reunião de poemas em português e espanhol que seguem rigorosa orientação cultista e conceptista.

Fonte: Itaú

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